viernes, 1 de junio de 2012
jueves, 31 de mayo de 2012
PRÁCTICA IV Y V: “Una imagen vale más que mil palabras”
Pues
para esta práctica he decidido escoger a Andy Warhol, porque me apetecía saber
algo más de él, ya que mi grupo no pudo
hacer el proyecto final sobre él, y es algo que me quedaba pendiente. Además es
una persona que cumple perfectamente las características de dicha práctica, en
la cual se nos pide que elijamos un artista que en sus obras plasme rasgos
publicitarios.
Realmente
hay que decir que su verdadero nombre es Andrew Warhola. Nació en Pittsburgh,
en Pensilvania el 6 de agosto de 1928, en el seno de una familia de origen
checo.
Empezó
estudiando durante cuatro años la especialidad de pintura y escultura en el
Carnegie Institute of Technology. Tras concluir esta carrera en 1949, se
instaló en su casa de Nueva York, donde rápidamente fue alcanzando un gran
éxito como diseñador gráfico y publicista. Tanto era así que la mayoría de sus
reportajes, anuncios, dibujos, ilustraciones y collages fueron publicados en
las revistas más famosas de los años 50.
Andy,
en torno a 1960, decidió dedicarse plenamente a su pintura, ya que era en el
ámbito que más cómodo se sentía. En ella introduce constantemente iconografías,
como por ejemplo viñetas y personajes de comics y publicitarios, ya inventadas.
Todo su arte está dotado de una gran originalidad. Se inspiraba mucho en la
prensa y las fotos, pero aunque le gustaba manipular las imágenes, estas nunca perdían
la referencia a su origen.
En esa época era conocido por estar entre los jóvenes amantes del experimentalismo. Fundando en 1962 su estudio The Factory. Especialmente destacando las imágenes en fotografía de sus adoradas estrellas de cine, como fueron Elizabeth Taylor, Elvis Presley o Marylin, las cuales han sido inmortalizadas en sus composiciones en múltiples ocasiones y versiones, y están consideradas obras de arte. Además fue en esta época cuando empezó a pintar sus famosos dibujos como la sopa de Campbell y las botellas de Coca Cola. A partir de 1963 también se adentró en el cine, llegando a filmar unas 500 películas, las cuales eran denominadas underground, que frecuentemente carecían de una estructura y de un guión. Muchos de los artistas que participaron en ellas fueron catapultados a la fama. Pero en 1965, Warhol anunció publicamente que abandonaba la pintura para convertirse en el manager de un grupo de música, llamado Velvet Underground, que realizaban actuaciones multimedia donde mestizaban el baile, el cine y la música. Dejaba la pintura pero no el arte.
Warhol
quiso hacer su mención al consumismo estadounidense que reinaba en los años 70.
Para ello hizo una selección de diferentes elementos y objetos que estaban
siendo utilizados por la clase media en esa época, y los convirtió en
protagonistas de sus obras.
Un
ejemplo de alguno de estos objetos fueron las esculturas de cajas de Brillos en
1964, donde hacia una alusión a ese ambiente consumista y de trasgresión en el
arte.
En
esta década, Andy empieza a recibir constantes encargos de retratos por parte
de personalidades famosas que el artista realizaba a partir de fotografías realizadas
por él mismo con una polaroid.
En 1968, Valérie
Solanis, figurante de una de sus películas disparó contra el pecho del artista
hiriéndole gravemente. Tras una larga recuperación en 1969 funda la revista
Interview, cuyo contenido inicial era el cine, aunque acabó convirtiéndose en
una crónica rosa de los amigos ricos y famosos de Warhol, tales como Halston,
Mick Jagger y Truman Capote.
En 1974, en un estudio de
Brodway, es donde tiene lugar la última etapa creativa de Warhol, la cual esta protagonizaba
por símbolos psicológicos y políticos. Como por ejemplo la imagen aumentada de
Mao Zedong, líder del comunismo chino. Otras obras conocidas de esta época son “Self Portraits with Skulls” (Autorretratos con Calaveras), “Hammer and Sickles” (La hoz y el
martillo) y “Dollar Sign” (Símbolo
del dólar).
Durante el periodo que abarca
desde finales de los 70 hasta su muerte, Warhol se dedica a la investigación de
la expresión abstracta. Por ejemplo una de las cosas que hizo en esta etapa era pedir
a los visitantes de su estudio a que orinaran sobre su obra “oxidaciones”, entre
otras excentricidades. Utiliza mucho la manipulación de la imagen, para la abstracción.
Algunos ejemplos donde lo podemos percibir es en la serie “Zeitgeist” o en las pinturas “Rorschachs”.
Y algo muy curioso que hizo fue realizar una crónica de su vida y de su trabajo
con el título de “Factory Diaries”.
También encaminó su vida hacia
la producción televisiva, programas compuestos por música, moda, el cine,
personajes de cultura pop…
Warhol culminó su carrera
colaborando en diferentes proyectos artísticos hasta su muerte, acontecida el
22 de febrero de 1987. Su obra se ha convertido en representación y expresión
definitiva de la sociedad de los años 50 y 60, compuesta por una pintura
completamente moderna y artificial, que intenta expresar los sentimientos
creados de deseo y satisfacción inmediata.
Con toda esta trayectoria
profesional hay que decir que hizo grandes aportaciones al ámbito publicitario.
Estas aportaciones, eran reflejo de su personalidad, es decir, un experto del Pop (corriente que explotó hasta sus
últimas consecuencias y de la que funcionó como símbolo). Y de las diferentes
etapas que pudo vivir, como hemos visto en su biografia.
Pero sus objetos e iconos más
conocidos, y ya mencionados, tenían la técnica del pop art (fue un importante movimiento artístico del siglo XX que
se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos
culturales «mundanos» y del mundo del cine). Técnica por la cual es uno de los
artistas más conocidos e importantes, siendo uno de los primeros en empezar a
hacerla. Cultivó su propia imagen con la misma
mercadotécnica publicitaria que su obra. Fue a su modo un dadá. Todo su arte se
resume en esta frase: el arte comercial es mucho mejor que
el arte por el arte.
Andy Warhol desapareció no sin
antes haberse ganado los derechos de marca registrada; entendía el arte como un
negocio y los negocios como un arte. Su figura artística causó un gran impacto,
aún permanente, en el ambiente cultural occidental. Redefinió el concepto de
arte a partir de las imágenes iconográficas de la sociedad, que han tenido una
resonancia aún perdurable. Explorador de todas las manifestaciones culturales,
su legado artístico es magnífico.
Mi lenguaje de expresión
Pues me pare a pensar que iba hacer para estas prácticas, y al final decidí hacer una fusión entre Publicidad y Arte, es decir, siguiendo un poco el título de la asignatura. Por ello, elegí el David de Miguel Ángel (arte) y a la marca de ropa interior Calvin Klein (Publicidad), me parecía una forma original de anuncio publicitario. Y con el eslogan "We are one" (Somos uno"), he querido ponerlo para transmitir que al igual que el David de Miguel Ángel casi es la perfección, pues que si llevas este tipo de ropa interior te sentirás único y perfecto. Expresando con ello, que si la perfección lo lleva será por algo.
jueves, 17 de mayo de 2012
PRÁCTICA III. EL CUBISMO. UN LENGUAJE EN EL DISEÑO GRÁFICO
ANÁLISIS
DE LA OBRA
La obra pictórica
elegida para el análisis en esta práctica es el Retrato de Pablo Picasso realizado por Juan Gris en 1912
(principios del siglo XX). Esta obra ha sido de gran importancia ya que era la
primera obra cubista que no era producto de los principales representantes de
este movimiento (cubismo), como eran Picasso o Braque. Actualmente se encuentra
en el Instituto de Arte de Chicago.
Parte de sus pinturas cubistas son
bodegones, entre los que se incluyen Guitarra
y botella (1917), El tablero de
ajedrez (1917) y Botella y frutero
(1919). También trató otros temas, como muestra en El fumador (1913) y en Vasos
y periódico (1914).
Resumiendo, Juan Gris nació de la nada,
pero se convirtió en uno de los representantes más importantes del cubismo,
junto a Picasso entre otros.
A continuación, realizaré con análisis más
en profundidad de la obra elegida.
Comenzaré diciendo que el Retrato de Pablo Picasso, utiliza como
soporte el lienzo y como técnica óleo
(“óleo sobre lienzo”). Teniendo un tamaño aproximado de 93,4 x 74,3 cm.
En ella está representado Pablo Picasso, a
la edad de 31 años, cuando aún tenía cabello, vistiendo un traje y sosteniendo
una paleta manchada de colores en la mano, que definiría su oficio como tal,
algo habitual que se hacía en los retratos tradicionales de otras épocas.
Aunque no es complicado realizar esta descripción, es cierto que tampoco se
aprecian todos los elementos de forma inmediata, ya que la característica
principal del cubismo (época en la que buscaban romper con la tradición
figurativa que había fundamentado la pintura del mundo occidental) se aprecia perfectamente en la obra, pudiendo
hacer evidente la clara pérdida del dibujo. Así como el inicio de la
descomposición de los volúmenes planos. Estos planos son geométricos y en ellos
podemos percibir la estructura de la composición, se podría decir que son
planos que están ordenados rítmicamente mediante líneas verticales y
diagonales.
Por estas características, junto a otras
que describiremos después, se puede decir que esta obra pertenece al “cubismo
analítico”, y esto lo argumentaré diciendo que cumple lo principal de este
estilo, y es que las formas y las figuras están descompuestas para ser
estudiadas (analizadas) por partes. Si seguimos realizando un examen a fondo, la obra nos revela que los
elementos geométricos que integran su composición se han basado en formas
puras: prismas, triángulos y cilindros. Pero a pesar de esta deformación y de
la mutilación, los rasgos del rostro sobreviven, ayudado también por el juego
de sombras y luces, como ya he mencionado anteriormente.
Es decir, este cuadro refleja perfectamente
que pese a que el cubismo deformaba, nunca perdió de vista la necesidad de
reflejar una realidad concreta (en este caso, la figura de Pablo Picasso).
La composición está creada exclusivamente a
partir de colores terrosos, es decir, el cromatismo se reduce a los tonos
marrones, grises y negros, los tonos que habitualmente utilizaba el autor en el
resto de sus obras. Además en esta ocasión añadió un azul, el cual le confiere
emotividad, junto con otros colores que interrumpen al resto de colores, tales
como el rojo, el amarillo, y el azul oscuro.
.
Sobre la firma, el madrileño imprimió una
dedicatoria, muy poco de moda en la época, y lo hizo en la lengua del país
(francés) que le había unido a su amigo: "Hommage à Pablo Picasso".
La presentó en el salón des
Independants de París en 1912. Apollinaire, a quien el pintor había conocido a
través de Picasso en Le Bateau Savoir y con quien le unía una estrecha amistad,
escribió una reseña en L'Intransigeant, donde definió su trabajo como "cubismo integral". Fue
de esta manera, como Juan Gris entró por la puerta grande del arte y empezó a
formar parte del de grupo principal del movimiento cubista.
MI
CAMPAÑA PUBLICITARIA
Pues he decidido
realizar una campaña de publicidad (imaginaria) anunciando la marca de gafas Ray Ban, porque me parecía original y
también como una forma de actualizar el cuadro y transportarlo hasta la
actualidad. Es decir, “poner a Picasso a la moda”. Pero, otra razón por lo que
he elegido esta marca, es porque creo que el producto iba a resaltar
perfectamente en la obra, porque de esta forma cuando lo vemos lo primero que
nos llama la atención son las gafas y lo que anuncia. Cumpliendo de esta forma
el objetivo principal de la publicidad, que es conseguir que se fijen en
nuestro producto. Además si se fijan en la obra de arte y la reconocen
y les gusta, pues mucho mejor, así
obtendremos muchos más beneficios.
BIBLIOGRAFÍA
jueves, 19 de abril de 2012
PRÁCTICA II. EL RETRATO EN LA PUBLICIDAD.
“Margarita con Coca-Cola” es el nombre que recibe el retrato que he elegido para la siguiente práctica.
Dicha obra, pertenece a Antonio de Felipe. Uno de los pintores que ha logrado reimponer de nuevo el movimiento del Pop-art. Por ello, a la hora de clasificar el estilo de la obra diremos que pertenece al movimiento mencionado. Fue creada en torno a los últimos años del siglo XX y los primeros del siglo XXI. Sin total seguridad, puedo decir que el lugar donde se ha podido visionar dicho trabajo ha podido ser en alguna de las tantas exposiciones que ha mostrado el autor. Además añadiré que el retrato pertenece a la serie llamada “LOGOTIPOS”, que como podemos observar trata de arte y publicidad (también llamado arte patrocinado).
Para entender un poco mejor esta obra, hablaré un poco del autor (Antonio de Felipe). Nace en Valencia en 1965, y desde muy pequeño siente inquietudes artísticas que le llevan a estudiar y licenciarse en Bellas Artes. Pero al mismo tiempo que estudiaba, trabajaba como creativo en una agencia de publicidad, algo que sin duda marcará su estilo pictórico en el futuro. Hay que destacar que en sus más de veinte años de intensa trayectoria profesional ha realizado más de setenta exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y otras tantas colectivas. En ellas rinde homenaje al mundo de la publicidad, del cine o de la pintura barroca española; apareciendo en su obra representaciones de los objetos más cotidianos, los productos de gran consumo y los iconos de la cultura de masas. Además hace referencia a grandes pintores clásicos como Velázquez, Munch o Picasso. Pero su gran inspiración ha sido Andy Warhol. Es considerado uno de los autores más imitados del momento.
También ha hecho incursiones en otros campos, como en el cine, diseñando vajillas, carteles, portadas de discos y con colaboraciones en grandes revistas y periódicos.
Como ya mencioné este autor hace arte patrocinado por lo que esta obra supongo que la haya financiado Coca-Cola, debido a que en la misma aparece su logo, y es una forma de que el producto (en este caso esta bebida refrescante) se publicite y llegue a muchas más personas.
A continuación voy a intentar realizar el análisis más técnico de la obra.
Empiezo aclarando que el soporte que se ha usado para el retrato de “Margarita con Coca-Cola” es el lienzo, utilizando sobre él la técnica del acrílico.
Antonio de Felipe, vemos que en esta obra rinde homenaje a Velázquez, ya que utiliza a uno de los personajes más famosos del cuadro de “Las Meninas”, a la infanta Margarita de Austria, para dar composición a esta obra artística.
Podemos decir que la obra es figurativa, además de clasificarlo como dibujo artístico, ya que es la representación de una persona por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Además de decir que es totalmente realista, porque al representar a un personaje histórico. Todo está muy bien definido, y tiene un gran parecido a la obra verdadera, es decir, la de Velázquez; lo único que cambia es que en el caso de este retrato, Margarita sostiene en una mano una Coca Cola, y en la otra un osito de peluche.
Lo que más nos llama la atención son los colores empleados. Existe una predominancia del rojo (color cálido), tanto en el fondo, como en otros detalles que acompañan a la niña (detalles del vestido). Este color nos produce una sensación de impacto y de cercanía. Este color cálido se complementa a la perfección con el blanco del vestido de la Infanta Margarita. Este color transmite pureza y bondad. Además de que estos colores transmitan todo esto, personalmente creo que el autor los ha elegido para publicitar el producto, que es la Coca Cola, ya que el rojo y el blanco son los colores principales del logotipo.
En cuanto a lo de si el autor ha puesto más importancia en el dibujo o en color, yo creo que lo que ha querido es mantener un equilibrio y que el significado de uno se enlace con el significado del otro. Ya que como he mencionado con anterioridad los colores el autor los ha elegido porque son los colores de la Coca Cola, pero creo que el retrato de Margarita lo ha elegido, como para mostrar la importancia de dicho personaje histórico, diciendo con esto que la Coca Cola también es importante. Y en otro detalle que me he fijado es que, lo que se publicita es la Coca Cola “sin cafeína”, un tipo de refresco dedicado especialmente para los niños y de ahí que también haya escogido la figura de la niña Margarita, reflejando su niñez con ese osito de peluche. Es decir, tiene un significado al iconológico, porque los detalles van más allá de lo que podemos ver.
En cuanto a la luz de la obra solo puedo decir que es simbólica, e irreal. Es la que ha decidido que sea el autor, estando más o menos todo el cuadro de la misma forma iluminado. Dándole cierto volumen a la figura humana.
Pasando ahora a hablar de la composición. Hay que destacar que la forma del soporte es cuadrada (130x130), esto provoca que centremos la visión mucho más en la Infanta Margarita, teniendo un equilibrio visual. Y en cuanto al esquema compositivo, creo que el de esta obra es de tipo balanceado.
Si nos paramos a detallar la figura humana de este retrato, hay que decir que la Infanta Margarita se encuentra muy estática, viéndolo en su postura con los brazos y el cuello girado, parece una estatua, y el vestido también hace que lo parezca, ya que es muy recto en la parte del pecho y la cintura. Y algo que hay que destacar es que pese a que el cuello lo tenga girado, la mirada está bastante bien estudiada, ya que conecta perfectamente con el espectador, mostrando a una niña dulce e inocente.
Y para finalizar diré que el lenguaje publicitario que ha utilizado Antonio de Felipe es la belleza de la figura de la niña. La mirada, el cabello rubio mostrando perfección, la dulzura que irradia… Es decir, todas estas cualidades intenta que se comparen con todas las cualidades de la Coca Cola.
WEBGRAFÍA
- http://es.wikipedia.org/wiki/Margarita_de_Austria,_Emperatriz_del_Sacro_Imperio
- http://www.slideshare.net/rakelaguilar/psicologia-del-color
- http://www.significado-colores.com/2009/03/significado-color-blanco.html
- http://www.slideshare.net/adurbecondita/anlisis-de-una-obra-pictrica-presentatio
- http://www.antoniodefelipe.es/
- http://www.aptc.es/antonio_de_felipe.htm
miércoles, 21 de marzo de 2012
PRACTICA I. EL VALOR DE LA IMAGEN.
1. CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL
La Chaîne Simpson (La cadena Simpson) es el nombre que recibe el cartel elegido para realizar esta primera práctica.
El autor de esta obra (Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa; Francia: 1864 – 1901) adquirió grandes influencias de Cheret. Pero se encargó de acentuar mucha más las características de la obra de este.
Desde que a Toulouse le detectaron la enfermedad en los huesos que no le permitió desarrollarse y crecer como una persona normal, su vida dio un cambio radical. Empezándole a gustar mucho la noche, y a coger malos vicios como la prostitución, el alcohol… Pero aún con todos estos problemas y siendo una figura tan llamativa, Toulouse se convirtió en un reconocido pintor, cartelista e ilustrador.
Al contrario que los artistas impresionistas (anteriores a su época), apenas le interesaba el género del paisaje, ya que para él lo más importante e interesante eran las personas, el pueblo. Siempre prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, para jugar con los colores y los encuadres de forma subjetiva. Desde muy pequeño fue muy observador, atrayéndole la gestualidad de las personas (cantantes y comediantes), y le encantaba ridiculizar a la gente poderosa, pese a que él pertenecía a la clase alta, según él se sentía rechazo por ellos. Además tenía una gran memoria fotográfica, y pintaba de forma muy rápida. Hay que decir, que es uno de los principales representantes de la vanguardia modernista y del Art Nouveau (finales siglo XIX, principios XX).
Algo que le caracteriza es que vivía de noche, y pasaba gran parte de su vida en los cabarets; haciéndose amigo de los dueños de estos. Consiguió así que le encargaran carteles para promocionar los espectáculos de los cabarets, algo que siempre entusiasmo a Lautrec. Comparándolo con otros artistas de su época,este sí que llegó a vender obras y fue bastante reconocido, pero especialmente su popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios más que en la pintura para óleo.
Siempre tuvo grandes amistades en el mundo del espectáculo, ya que para Toulouse el mundillo del vicio y de la extravagancia fue desde siempre su refugio.
Se consideraba así mismo un cronista social, ya que se relacionaba con todo el pueblo y se consideraba uno más de ellos.
Pero el alcoholismo deterioró su salud, padeciendo los últimos años de su vida
manías, depresiones, neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. Muriendo postrado en una cama.
manías, depresiones, neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. Muriendo postrado en una cama.
Una vez que hemos acabado de hablar un poco del autor, pasaremos a decir que Toulouse-Lautrec realizó este cartel (La Chaîne Simpson) por encargo de Louis Bougle, propietario de un negocio de bicicletas, con el coincidió durante un viaje a Londres. Bougle deseaba promocionar con este cartel su revolucionario invento: “la cadena Simpson”, la cual impulsaba sus bicicletas, eligiendo como modelos a Constant Huret (famosos ciclista francés) y sus entrenadores.
Además en esta época el ciclismo estaba empezando a calar como deporte entre la sociedad francesa, por lo que la obra tuvo bastante éxito.
2. ANÁLISIS DE LA OBRA
Una vez estudiada la vida que llevó Toulouse-Lautrec, vamos a poder entender mucho mejor el estilo de sus obras.
Siguiendo el estilo de su autor esta obra pictórica pertenece al Art Nouveau (modernismo). Y la técnica que ha utilizado en este cartel es la litografía (técnica de impresión típica de la época, y utilizada especialmente para la producción de carteles); en este caso el soporte de la pintura es el papel. Teniendo un tamaño aproximado de: 86 x 119,4 cm.
Podemos observar una bicicleta (en ella está el famoso ciclista: Constant Huret) en la izquierda, la cual lleva puesta la maravillosa cadena propulsora (Cadena Simpson: que se anuncia), y vemos como va a adelantar al tándem que aparece a la derecha. En un segundo plano contemplamos a Bougle junto a una banda militar inglesa para celebrar el triunfo de su producto. Mientras que en el fondo se ve el resto de ciclistas. Se aprecia perfectamente la representación del espacio tridimensional y como del primer al último plano el autor le va restando importancia y lo va difuminando cada vez más.
La verdad es que los colores del cartel dan una sensación de calidez, ya que están en abundancia tanto los tonos anaranjados como rojizos (títulos y banda), acompañado de tonos pastel o amarillentos. Resaltando los ciclistas en un tono más oscuro: negro. Hay que mencionar que el efecto de movimiento de los vehículos está perfectamente conseguido (algo que le caracteriza), especialmente la potencia de la cadena que es el objetivo del cartel, gracias en cierto modo a la utilización de estos colores planos (influencia de “la estampa japonesa”), ya que da una cierta seguridad a la línea que define el trabajo. Además del movimiento, también es de influencia japonesa la originalidad de sus encuadres, que se manifiesta como podemos observar en las líneas compositivas diagonales y en el corte repentino de las figuras por los bordes.
Con todo ello lo que Lautrec ha querido, como ya hemos mencionado, resaltar por encima de todo la cadena, ya que es lo importante en este cartel, y el resto de elementos son secundarios.
A la hora de retratar al famoso ciclista hay que mencionar que como en el resto de carteles de Lautrec, siempre tiende a la caricatura de los personajes, donde con un mínimo de trazos intenta representar la personalidad y el carácter de los personajes. (En este caso yo creo que le ridiculiza un poco dejándole los calzoncillos por fuera, cosa que al resto de ciclistas no lo ha hecho). Y vemos como lo ha engrandecido en comparación al resto de ciclista, para enfocar así la atención del público.
Y por último, hay que decir que el mensaje que Bougle quería que se transmitiera en aquella época, era que la cadena Simpson era la mejor que existía hasta el momento, y gracias a este cartel hacia ver que era así, ya que de una forma u otra persuade viendo que la bicicleta que lleva la cadena Simpson es la que va a ganar la carrera, y que además uno de los mejores ciclista de la época confiaba en esta cadena, es decir, dos puntos a favor para que la gente se fiara de ella. Vemos perfectamente aquí la actuación de la publicidad.
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